Verde verde

Describes the setting of a scene in a play or a film. It refers to everything placed on the stage or in front of the camera—including people. In other words, mise en scène is a catch-all for everything that contributes to the visual presentation and overall “look” of a production. When translated from French, it means “placing on stage.”

Setting

Setting

Location

Explanation

Solo existen tres espacios en el film entero: el bar, el apartamento de Alfredo, y el techo del edificio. El bar que aparece al principio del film está concurrido y tiene todos tipos de personas. Hay mucho humo y muy poca luz en el bar, así que se puede percibir una cierta sordidez. La falta de espacio añade un elemento de claustrofobia, el cual contrasta con el apartamento vacío de Alfredo. El apartamento de Alfredo también tiene poca luz, pero la falta de muebles y objetos crea un espacio liminal. Si bien toma lugar en un apartamento real, el diseño interior hace que el espacio parezca falso y estéril. Sí hay momentos tiernos en el film, pero la mayoría de escenas toman lugar en este espacio escalofriante y no lógico. El espectador debe pensar que quizás el apartamento sea realmente el infierno como dice Alfredo al principio: “Welcome to hell!”. Por último, el techo al que huye Carlos es evidentemente un espacio abandonado. No hay nada excepto charcos y basura, los cuales representan la desorganización profunda de Carlos; no puede comprender sus acciones, y el espacio no provee nada para ayudar.

Además, es imprescindible notar el papel que juegan los espejos en el film. Carlos se mira en el espejo en el ascensor y, luego, en el apartamento de Alfredo. Es evidente que Carlos está obsesionado con su apariencia y masculinidad, así que los espejos sirven para hacer que él haga autorreflexión y considere la disonancia entre su sexualidad y sus acciones. Siempre compara su apariencia externa con las percepciones societarias (especialmente las de sus amigos del bar), y los espejos sirven como puntos de control donde Carlos puede verificar que todavía es macho. Al fin del film, después del asesinato de Alfredo, Carlos se mira a la sombra con terror. Esta sombra representa la pérdida de humanidad que experimenta Carlas al matar a Alfredo y la crisis identitaria que tiene; ya no se puede ver porque ya no sabe quién es. Cuando por fin se puede mirar en un charco en el techo, lo salpica y cierra los ojos para que no tenga que ver a sí mismo y procesar lo que hizo.

Film Still

Props

Prop

La espada / el cuchillo

Explanation

Las hojas son herramientas poderosas en Verde verde, y sirven como conductos para la masculinidad de Carlos y Alberto. Cuando Alberto muestra su espada y cuchillo a Carlos, sirve dos propósitos: muestra su poder e indica una cierta jocosidad. Pone la hoja al lado del cuello de Carlos, pero después la usa para acariciarlo y coquetear. También es importante notar la comparación que hace Barnet entre una espada y un miembro; esta comparación revela la crítica social que la sexualidad y la violencia están interconectadas, especialmente en una sociedad fundamentalmente machista. El fin triste del film afirma esta observación. Después de tomar la posición pasiva con Alfredo, Carlos lo apuñala para recuperar su sentido de ser masculino. Además, el uso del cuchillo es igual al principio narrativo del arma de Chéjov; Barnet crea tensión con la introducción de la espada, y la resoluciona con el asesinato trágico de Alfredo.

Film Still

Prop

El charco

Explanation

El charco al final del film refleja los pensamientos internos de Carlos después de matar a Alfredo. Como se mencionó anteriormente, Carlos se mira brevemente en el charco después de gatear hacia la fuente de agua. Las expresiones de Carlos demuestran que quiere usar el charco para limpiar la sangre que manchaba su cuerpo, pero no quiere mirar a su propia reflexión. Además, no hay suficiente agua para limpiar su cuerpo ni su ropa. Estos dos aspectos del charco enfatizan que el film no quiere perdonar a Carlos. Tiene que mirar a su cara cubierta en la sangre de Alfredo, y no puede limpiar su culpabilidad con una cantidad tan pequeña de agua. En este sentido, Barnet comunica al espectador que la sociedad debe discutir la violencia contra las personas gay. La sociedad no puede limpiarse las manos de los crímenes de odio, y debe mirarse en el espejo para entender cómo suceden tragedias así.

Film Still

Lighting

Lighting

Low key

Explanation

La iluminación low-key es un elemento esencial del mise-en-scène de este film. En general, la falta de luz en todos los espacios establece el tono oscuro de la película. Especialmente en el apartamento de Alfredo, las sombras crean un ambiente de ansiedad e incertidumbre. Al decir “Welcome to hell!” y mostrar un hogar oscuro y medio vacío, Alfredo implica que se esconde mucho de la audiencia y de Carlos. Sin embargo, las discusiones entre Carlos y Alfredo revelan que Carlos es el que esconde y reprime mucho de su personalidad. De esta manera, Barnet usa la iluminación low-key para jugar con las expectativas del espectador. Se engaña a Alfredo también; su hogar intímo y poco iluminado se convierte en el lugar de su muerte. La iluminación también se relaciona con la espada; el espectador piensa que Alfredo es violento por causa de su colección de hojas, pero cuenta a Carlos que realmente es “un hombre de paz”, y Carlos es el que usa el cuchillo al final.

Film Still

Film Still

Hair and Makeup

Example

El vello facial y del cuerpo

Explanation

El vello facial y del cuerpo representan una diferencia irónica entre Alfredo y Carlos. Ser peludo es un atributo tradicionalmente másculino que Alfredo encarna; tiene una barba y vello grueso en el pecho. Por otro lado, Carlos no tiene barba ni mucho vello. Especialmente en Cuba, el vello se asocia con masculinidad por causa del concepto del “hombre nuevo” que promovían Che Guevara y Fidel Castro. Por eso, es irónico que Carlos, quien siempre trata de probar su masculinidad, tiene un cuerpo menos peludo y fuerte que Alfredo. Esta decisión destaca la inseguridad que siente Carlos y explica su homofobia; Alfredo, por otro lado, es tradicionalmente másculino y no trata de demostrar su machismo con actos homofóbicos y sexistas.

Film Still

This is the art of photography and visual storytelling in a motion picture or television show. Cinematography comprises all on-screen visual elements, including lighting, framing, composition, camera motion, camera angles, film selection, lens choices, depth of field, zoom, focus, color, exposure, and filtration. Cinematography sets and supports the overall look and mood of a film’s visual narrative. Each visual element that appears on screen, a.k.a. the mise-en-scène of a film, can serve and enhance the story—so it is the cinematographer’s responsibility to ensure that every element is cohesive and support the story. Filmmakers often choose to spend the majority of their budget on high-quality cinematography to guarantee that the film will look incredible on the big screen.

Point of View

Point of View

Director's Interpretative

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Es evidente que Barnet, el director de Verde verde, quiere que el espectador se sienta atrapado en el encuentro, igual que Alfredo y Carlos. Las tomas muestran el apartamento escalofriante, los dos protagonistas mientras charlan, su batalla violenta desde las dos perspectivas y, en general, la mezcla única de terror e intimidad que sienten. Esta perspectiva hace que el espectador esté en el medio del conflicto. La falta de objetos en el espacio aumenta esta inquietud— no hay nada detrás del cual el espectador puede esconder. Debe ver lo que sucede en el film, sin manera de huir ni esconderse de la violencia.

Film Still

Quality

Quality

Color

Comments

La luz roja juega un papel importante en el desarrollo de Carlos por el transcurso del film. Varias veces, la iluminación cambia totalmente de color blanco y estéril a rojo cálido. Estos momentos ocurren cada vez que Carlos se relaja con Alfredo o comete un acto homoafectivo. El lugar donde van de fiesta los marineros nudos siempre emite una luz roja e indica que este color representa una expresión de la sexualidad. Desde la perspectiva de Carlos, esta fiesta es una demostración de inmoralidad, así que se pone nervioso al ver el mismo color en el apartamento. Por ejemplo, después de hablar alegremente con Alfredo por un rato, Carlos mira a la fiesta y se da cuenta de que está disfrutando de su tiempo con Alfredo. De repente, el apartamento entero emite una luz roja, y Carlos se aterroriza. Después, Carlos se relaja otra vez y quita su camisa para bailar con Alfredo. Otra vez, una luz roja cálida llena el apartamento, y Carlos se da cuenta de que sus acciones parecen homoafectivas. Cuando los dos hombres empiezan a bailar juntos, la luz roja regresa, pero por causa de Alfredo. Por primera vez, Alfredo enciende intencionalmente las luces rojas para hacer el apartamento más íntimo y tierno. En este caso, la luz roja representa un acto homoafectivo con una perspectiva positiva. Este uso de la iluminación destaca la diferencia principal entre Carlos y Alfredo: la sexualidad aterroriza a Carlos y es aceptada incondicionalmente por Alfredo. Carlos ve la luz roja como símbolo del infierno; Alfredo la ve como marcador de intimidad y amor.

Film Still

Framing

Framing

Level Angle

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Casi todas las tomas son de plano normal (level angle) o plano picado (high angle). Las de plano normal humanizan a los protagonistas e igualan sus experiencias. Este estilo de framing sirve para representar las dos perspectivas de la sexualidad que coexisten en Cuba: una de aceptación y franqueza, y otra de represión y machismo. Las tomas de plano picado muestran la vulnerabilidad y confianza de Alfredo. No importa las vistas juzgadoras de gente como Alfredo, así que se siente cómodo acostado en el piso. Por otro lado, nunca hay una toma de plano picado de Carlos, quien siempre piensa en la percepción de su masculinidad y, por eso, no puede ser percibido desde arriba.

Film Still

Scale

Comments

La escala cambia por el transcurso del film. Cuando los hombres se sienten reservados y hablan con más incertidumbre, la mayoría de tomas son de long-shot. Esta escala crea una sensación de esterilidad y falta de cariño. Sin embargo, la escala se hace más chiquita en cuanto los dos hombres se conocen. Primero, hay más tomas de medium close-up y, eventualmente, mid-shot. Estas tomas solo ocurren cuando los hombres confían en sí mismos y, por eso, el cambio de escala destaca la cercanía de Carlos y Alfredo.

Film Still

Editing is the process of putting a film together–the selection and arrangement of shots and scenes. Editing can condense space and time, emphasize separate elements and bring them together, and organize material in such a way that patterns of meaning become apparent. In addition, editing can determine how a film is perceived: for instance, quick, rapid cuts can create a feeling of tension, while a long take can create a more dramatic effect. The first photoplays generally had no cutting, owing to the fact that they were single-reel films; once filming began, you could not stop until the film ran out. (https://filmglossary.ccnmtl.columbia.edu/term/editing/)

Coherence, Continuity, and Rhythym

Comments

Verde verde juega bastante con el ritmo del editing. Es decir, hay ciertas escenas con tomas largas sin cortes rápidos y otras escenas con varios cortes entre personas y objetos. Las escenas con ritmo más lento ocurren cuando los dos hombres se conocen y charlan de manera casual. Por otro lado, las escenas con muchos cortes ocurren durante momentos tensos y aumentan la sensación de inquietud. Además, la banda sonora se usa para complementar este ritmo; en escenas estresantes (en el bar, por ejemplo) hay música ruidosa y llena de percusión que también hace al espectador sentir ansiedad.

Film Still

Editing Style

Editing Style

Continuity Editing

Film Still

Match

Match

Eyeline

Comments

Para sumergir al espectador en la discusión entre los protagonistas, Barnet emplea el "eyeline match". Durante el intenso debate entre Alfredo y Carlos, las tomas cambian entre los dos hablantes. Por eso, el espectador siente como si fuera parte de esta conversación.

Film Still

Expansion and Compression of Time

Expansion and Compression of Time

Long Take (Plan-Sequence)

Comments

Por lo general, hay muy poca compresión del tiempo. Barnet muestra todo lo que sucede en el film, desde el primer encuentro en el bar hasta la huida de Carlos. Esta temporalidad hace que el espectador sea parte de la historia y que la relación entre los dos hombres parezca realista. La película aún muestra el ascensor que los dos hombres usan para llegar al apartamento de Alfredo. Estrategias como elliptical editing muestran periodos largos de tiempo y separan al espectador de la trama, así que la falta de compresión temporal en Verde verde aumenta el sentido de inmersión.

Film Still

Sound is an integral part in a film. It refers to everything that the audience hears including sound effects, words and music. Sound is used in films for various purposes, including: providing the information to the viewer about the location of the scene, heightening the mood, telling the audience about the characters and advancing the plot. Every person who watches a film realizes that the choice of voices, soundtrack and music present in a film affect the way that the viewer perceives a particular film. As a result, the sound is an important and integral element of the film, one that determines the way that the viewer experiences and understands a film as a visual experience.

Narrative analysis is an examination of the story elements, including narrative structure, character, and plot. A narrative can be considered to be the chain of events in a cause-effect relationship occurring in time and space. In order to analyze the narrative of a film, we need to first make the distinction between the plot of the film and the story of the film. This is sometimes referred to as the discourse and story of a film. Narrative may also be called the story thought story mainly refers to the events that describe the narrative.

Film genres are various forms or identifiable types, categories, classifications or groups of films. (Genre comes from the French word meaning "kind," "category," or "type"). These provide a convenient way for scriptwriters and film-makers to produce, cast and structure their narratives within a manageable, well-defined framework. Genres also offer the studios an easily 'marketable' product, and give audiences satisfying, expected and predictable choices. Genres refers to recurring, repeating and similar, familiar or instantly-recognizable patterns, styles, themes, syntax, templates, paradigms, motifs, rules or generic conventions.